drj - dr. julius | ap
zeitgenössisch konzeptuell minimal konkret
Kontakt · Links ·
2018 | • 3 STEPHAN EHRENHOFER • 2 JEONGMOON CHOI + REGINE SCHUMANN + GILBERT HSIAO
• 11 Carlo Battisti + Ray Malone + Susan YorkStephan Ehrenhofer - THIS IS ORANGE
In der Ausstellung THIS IS ORANGE sind neueste Arbeiten
von
Stephan Ehrenhofer zu sehen.
Der Schwerpunkt liegt dabei auf seinem spezifischen Umgang mit Farbe: Seit
jeher ein wesentlicher Schwerpunkt innerhalb seines Werks, wird seine
aktuelle, mit den Mitteln der Malerei intensiv und grundlegend geführte
Auseinandersetzung sichtbar. Dabei bestärkte wie neu gewonnene Impulse sind
in installativen Wandarbeiten, materialverknüpfenden Objekten sowie
Malereien auf Papier übertragen und bilden einen vielgestaltigen Querschnitt
seiner künstlerischen Haltung und deren substantieller Weiterentwicklung ab.
Stephan Ehrenhofer - THIS IS ORANGE
Eröffnung Donnerstag, 15. März 2018, 19 – 21 Uhr
Ausstellung bis 15. April 2017
Donnerstag – Samstag 15 – 19 Uhr und auf Vereinbarung
Diese Einzelausstellung schließt das zehnte Jahr des Bestehens von dr.
julius | ap ab.
Mit DECADE ONE wird in einer Groß-Accrochage aus bekannten
wie teils ungezeigten Arbeiten aller Programmkünstler/innen im Mai 2018 eine
Rückschau auf diese ersten 10 Jahre unserer inhaltlichen Arbeit an
konzeptuell minimal konkreter Kunst zu sehen sein, die gleichzeitig einen
Ausblick auf die Zukunft bieten wird.
Stephan Ehrenhofer [*1964 in Zürich] ist seit 2008 fester Bestandteil im
Programm von dr. julius | ap.
Er verbindet seine aus der Textilkunst weiter entwickelte Prägung des
planmäßigen Verwebens, dreidimensionalen Verzahnens oder schichtweise
Verknüpfens unterschiedlicher Werkstoffe und Medien immer mit seiner sehr
ausgeprägt individuellen Farbpalette zu stark in den umgebenden Raum
ausstrahlenden Objekten. Dabei hat er in seiner spürbaren Lust am
Experimentieren mit Material und Form seit vielen Jahren höchst
unterschiedliche Werkreihen und Objektgruppen geschaffen, deren vielfältige
Ausdrucksformen jedoch stets einer gleichen Grundhaltung folgen: Dass im
künstlerisch und konstruktiv genau durchdachten Verbinden von bislang so
nicht zusammen gefügten Stoffen neue Wahrnehmungs- und Denkebenen eröffnet
werden. Diese Grundhaltung ist dabei der eigentliche Rote Faden in den
Arbeiten von Ehrenhofer. Insofern sind alle seine Arbeiten stets Produkte
materialisierter geistiger Freiheit, die keine Vorbilder aus der Dingwelt
abbilden sondern Neuschöpfungen aus seiner lebenslangen Beobachtung, Analyse
und daraus abgeleiteten Synthetisierung des in der Welt Erkannten sind.
Der Schlüssel zum Verständnis des inneren Zusammenhangs aller künstlerischen Werke von Stephan Ehrenhofer liegt in seiner Arbeit in der Meisterklasse für Tapisserie im Rahmen seines Kunststudiums an der Hochschule für angewandte Künste Wien. Die Auseinandersetzung mit den tradierten Techniken, handwerklichen Charakteristika und bilderzeugenden Methoden der Bildwirkerei mit dem Ziel, diese in Ausdrucksformen zeitgenössischer Kunst zu überführen, bestimmt auf all den vielfältigen Arbeitsfeldern und in den unterschiedlichsten Werkgruppen seines mittlerweile im dritten Jahrzehnt andauernden künstlerischen Schaffens das Grundrepertoire seines produktiven Suchens. Es geht ihm darum, nach vorab entwickeltem Konzept und daraus entworfenem Plan dem Wesentlichen seiner Auseinandersetzung Form zu geben: Mit unterschiedlichsten Werkstoffen, durch materialschlüssige Verbindungen und daraus abgeleiteten konstruktiven Verknüpfungen Arbeiten und Werkgruppen, zu erschaffen, an deren jeweiligen Erscheinungsformen sich seine weiteren Themen, wie das Zusammenspiel von Farbe und Farbraum, von Strukturen und Ordnungen sowie deren Brüche und Widersprüche, erkennen lassen. Dies schließt unmittelbar ein, dass seine Arbeiten stets vollkommen aus sich selbst und ihrer inneren, konzeptuell entwickelten Logik heraus entstehen und daher frei sind von jedweder Gegenständlichkeit, von Symbolismen oder Expression.
[][][][][][][] E N G L I S H [][][][][][][]
_ March 15 through April 15, 2018Λ top
Stephan Ehrenhofer - THIS IS ORANGE
The exhibition THIS IS ORANGE presents new work by Stephan
Ehrenhofer, with particular emphasis on his use of colour.
Colour has always been an essential element of Ehrenhofer’s work, but his
current practice in painting brings the fundamentality and intensity of this
ongoing engagement particularly clearly to light. Intensified impulses and
new ones can be seen in installed wall pieces, objects of disparate
materials, and paintings on paper, presenting a diverse cross-section of the
continuing development of Ehrenhofer’s artistic approach.
Stephan Ehrenhofer - THIS IS ORANGE
Opening Thursday, March 15, 2018, 7-9 pm
Exhibition through April 15, 2018
Thursday – Saturday 3–7 pm and by appointment
This solo show concludes dr. julius | ap’s tenth season. In May 2018, the
exhibition DECADE ONE will present a collection of familiar
and new work by all the artists in the dr. julius | ap programme: a
retrospective of the first ten years of conceptual minimal concrete art, as
well as a preview of the future.
About the artist:
Stephan Ehrenhofer [b. 1964] has contantly been a part of dr. julius | ap’s
programme since 2008.
His textile-based work begins with the weaving, meshing, or layering of
various materials and media; through further development and manipulation
and the use of his distinctive color palette, the pieces become objects that
radiate boldly into the surrounding space. For years, his palpable pleasure
in experimentation with material and form has led to the creation of widely
varying series and groups of objects, whose diverse appearances are
nonetheless underwritten by the same basic attitude: that the artistically
and constructively well-considered combination of materials that have
previously not been joined can open up new levels of perception and thought.
This approach is the real leitmotif of Ehrenhofer’s work. In this regard,
all his works are simply the embodiment of intellectual freedom; they are
never representations of models from the world of things, but rather new
creations that derive from lifelong observation and analysis—a synthesis of
what he has become aware of in the world.
The key to understanding the inner relationships in all of Stephan
Ehrenhofer’s artistic activities is to be found in his work in the master
class for tapestry in the context of his art studies at the Academy for
Applied Arts in Vienna. The engagement with the time-honoured techniques,
handicraft characteristics and image-forming methods of tapestry-making,
with the aim of carrying this form of expression over into contemporary art,
determines – in all the multifaceted fields of his activity and the most
diverse groups of work in nearly three decades of continuous artistic
production – the basic repertoire of his creative searching.
For him it is a question, according to a predetermined concept and its
resulting plan, of giving form to the essence of his engagement: to create,
using the most varied of materials, with their inherent connections and the
combinations derived from them, works and groups of work, in whose
respective manifestations his other themes, such as the interaction of
colour and colour space, structures and systems, as well as their ruptures
and contradictions, may be identified. This immediately implies that his
works always evolve entirely out of themselves and their inner, conceptually
developed logic, and hence are free of any trace of representation, of
symbolism or expression.
_ 30. November 2017 - 10. Februar 2018Λ top
ULTRAVIOLETT
JEONGMOON CHOI [KR] + REGINE SCHUMANN [DE]
+
GILBERT HSIAO [US]
![Jeongmoon Choi [KR]](bilder/drj_066__UV_rotator/drj066_JMC.jpg)
![Regine Schumann [DE]](bilder/drj_066__UV_rotator/drj066_RS.jpg)
![Gilbert Hsiao [US]](bilder/drj_066__UV_rotator/drj066_GHS.jpg)
Zum Endes des Jahres 2017 ermöglicht die Ausstellung ULTRAVIOLETT durch die Arbeiten der Künstlerinnen Jeongmoon Choi und Regine Schumann ungewohnte Wahrnehmungsebenen des Zusammenwirkens von Raum, Objekt und Farbe zu erleben. Diese werden durch die interaktive Installation HITPARADE von Gilbert Hsiao um die Elemente Bewegung und Ton erweitert. So entsteht unter dem so genannten Schwarzlicht, dessen besondere Eigenschaften für alle drei Beteiligten Teil ihrer künstlerischen Praxis ist, ein außergewöhnliches und umfassend anderes Kunsterlebnis bei dr. julius | ap.
Die Haupträume der Galerie sind geprägt vom Miteinander der konstruktiv-skulpturalen Installation der koreanischen Künstlerin Jeongmoon Choi und den fluoreszierenden Acrylglasobjekten von Regine Schumann aus Köln. Während erstere dafür weiß leuchtende lineare Strukturen aus kunstvoll in den Raum gespannten, optisch verdichteten Flächen aus Fäden als begehbare Skulptur entwickelt, eröffnen die farbig strahlenden Wandskulpturen präzise dazu gesetzte Farbräume aus sich mischendem Licht. Der unverkennbare Zauber dieser so entstehenden, durch das ultraviolette Licht herbeigeführten künstlichen Raumwelt irritiert und fasziniert dabei zugleich.
Im Kabinett der Galerie kann man zudem Variationen optischer Effekte durch individuelles Zusammenstellen sich drehender Scheiben – von Gilbert Hsiao aus Brooklyn/NY mit geometrischen Strukturen bemalte Vinyl-Schallplatten aller üblichen Größen – in einer Schwarzlichtsituation ausprobieren. Dabei wird eine durch extreme zeitliche Dehnung auf 24 Stunden verfremdete Sinfonie im Hintergrund abgespielt, die das visuelle Erleben zusätzlich beeinflusst.
Insgesamt sprengt diese zugespitzte Wahrnehmungssituation ganz bewusst den üblichen Rahmen einer Galerie-Ausstellung mit dem Ziel, über den Jahreswechsel einen attraktiven Beitrag zum Umgang mit dem Medium künstlichen Lichts und den Möglichkeiten seiner Einbeziehung in künstlerische Konzepte zu demonstrieren.
ULTRAVIOLETT
JEONGMOON CHOI [KR] + REGINE SCHUMANN [DE]
+ im Kabinett
GILBERT HSIAO [US] - HITPARADE
Eröffnung Donnerstag, 30. November 2017, 19 – 21 Uhr
Midissage Samstag, 20. Januar 2018, 16:30 - 18:30 Uhr
Ausstellung bis 10. Februar 2018
Donnerstag – Samstag 15 – 19 Uhr und auf Verabredung
Zu den Künstlerinnen und zum Künstler:
Die Installationen der koreanischen Künstlerin Jeongmoon Choi [*1966 in Seoul, KR] fordern unsere Wahrnehmung und Vorstellungskraft heraus und ermöglichen es uns, Zeit und Raum auf eine andere Weise zu erleben [...].
Durch das Spannen von Fäden, so, als ob sie damit Linien zeichnen würde, unternimmt Choi architektonische Eingriffe und ohne die Räume selbst zu verändern, transformiert sie diese in Arbeiten von großer Schönheit und unbestreitbarer konzeptueller Tiefe. Ihre Installationen reflektieren nicht nur unsere Ohnmacht gegenüber Naturphänomenen oder unsere Verantwortung dafür, wie wir unsere Umwelt verändern - sie sind auch Metaphern unseres sich entfremdenden zeitgenössischen Lebensstils.
Die Möglichkeit, Chois Konstruktionen zu betreten und sich darin zu bewegen, spielt mit unserer Wahrnehmung, da unsere anfängliche Verwirrung sich nach und nach durch die Entdeckung neuer Blickwinkel in eine überraschende ästhetische Erfahrung verwandelt. Während in manchen Werken der Einsatz ultravioletten Lichts uns mit einer augenscheinlichen Unwirklichkeit konfrontiert, die unser Bewusstsein und unser Sehen herausfordert, wird in anderen die physische Wirkung unserer Interaktion aufgezeichnet, als Analogie menschlichen Handelns, das unsere Umwelt verändert.
Ob sie Linien mit Fäden, Bleistift oder anderen Medien zeichnet - Jeongmoon Choi verleiht den Ausdrucksmöglichkeiten der Linie neue Bedeutung. [...]
Nina Zambrano, Generaldirektorin des MARCO, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey [MX]
Im Werk von Regine Schumann [*1961 in Goslar, DE] finden Farbe, Licht, Material, Form und Raum – grundlegende Begriffe und Qualitäten der Kunst an sich – in hoch verdichteter Art und Weise einzigartigen Ausdruck.
Basierend auf der Malerei und ihrem daraus gewachsenen Verständnis für den Umgang mit Farbe, hat die Künstlerin in ihrem Werdegang früh die Grenzen der Disziplin hinter sich gelassen. Die Auseinandersetzung mit Licht und Farbe, dem gesamten Zusammenwirken aller ihrer Qualitäten untereinander, von den Harmonien bis zu den Kontrasten, führten ihre Arbeit auf neue Wege. Aus der Untersuchung verschiedenster Materialien heraus konzentriert sie sich daher seit mittlerweile vielen Jahren in zahlreichen Varianten auf fluoreszierendes Acrylglas. Insbesondere die spezifischen Eigenschaften dieses industriell hergestellten Werkstoffs in Bezug auf Licht, dessen Färbung, Brechung, Lenkung, Speicherung, Filterung und Mischung eröffnen ihr den virtuosen Umgang mit ihren künstlerischen Themen. Dabei entwickelt sie aus diesem Acrylglas hochpräzise geometrisch reduzierte Objekte, die ihre inneren Farbwelten jeweils sehr spezifisch mit dem umgebenden Raum und seinen tages- wie jahreszeitlich wechselnden Lichtverhältnissen in eine sich beständig subtil verändernde Beziehung setzen. Der gezielte Einsatz von Schwarzlichtleuchten unterstreicht dabei diese Bedingungen zusätzlich und erweitert das Seherlebnis der erzeugten Farbraumkörper deutlich. Die Werke entfalten jeweils eine hochästhetische, sinnlich erfahrbare Aura. „Ich lade den Betrachter ein, sich selbst im Bild wiederzufinden und sich damit ins farbige Licht zu rücken“, so die Künstlerin.
In der Summe stehen Regine Schumanns Arbeiten in bestechender Weise für minimal-konkrete Kunst zeitgenössischer Prägung, wie sie von dr. julius | ap vertreten wird: Sie fordert den Betrachter mittels einer genauen Wahrnehmung, in die Wesenszusammenhänge der Dinge an sich wie der Welt als solcher vorzudringen.
Regine Schumanns Arbeiten sind weltweit in renommierten Galerien, Museen und Institutionen gezeigt worden sowie in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten. .
Matthias Seidel, dr. julius | ap
Seit mehr als zwanzig Jahren erforscht Gilbert Hsiao [* 1956 in Easton, Pennsylvania.US] die Wirkweise der visuellen Wahrnehmung. Er arbeitet mit und gegen physiologische Gesetze des Sehens, durch die wir alle unsere Außenwelt wahrnehmen. Seine Arbeiten scheinen sich, obgleich an sich statisch, in verschiedenen Geschwindigkeiten und Zeiträumen sowie unterschiedlichen Arten von Räumlichkeit zu bewegen. Die reine Erfahrung der Wahrnehmung ersetzt für ihn Erzählung, Geschichte oder Interpretation.
Die Gemälde Hsiaos aus den letzten Jahren, häufig auf polygonal zugeschnittenen Bildträgern, sind gekennzeichnet durch die Verwendung kunstvoll überlagerter, extrem exakt ausgeführter Farbstreifen. So entstehen aktive, sich kontinuierlich verlagernde Oberflächen ohne im herkömmlichen Sinn oben oder unten, links oder rechts zu definieren. Seine neuesten künstlerischen Wege haben ihn dahin geführt, Arbeiten für unkonventionelle Beleuchtungssituationen, speziell UV-Licht, und in erweiterten Größenverhältnissen, insbesondee Wandarbeiten, zu entwickeln.
Die Installation HITPARADE war zuerst im Contemporary Arts Museum Houston, Texas [US] zu sehen, anschließend dann bei Raygun Projects in Toowoomba, Queensland, Australia.
Hsiao hat in den Vereinigten Staaten, Europa, Asien, Australien und Südamerika ausgestellt und ist dort auch in diversen Sammlungen vertreten. Ausgewählte Ausstellungsorte umfassen etwa das MOMA PS 1 in New York, das Indianapolis Museum of Art, das Contemporary Art Museum in Houston, das Mass MOCA in Massachusetts, die White Columns New York, Minus Space in Brooklyn, die Galerie Nara Roseler in Sao Paolo/Brasilien, IS-Projects in Leiden/Niederlande Sydney Non Objective in Australien und dr. julius | ap in Berlin.
Matthew Deleget, MINUS SPACE, Brooklyn/NY + Matthias Seidel
____________________E N G L I S H______________________
_ November 30, 2017 - February 10, 2018Λ top
ULTRAVIOLETT
REGINE SCHUMANN
[DE] + JEONGMOON CHOI [KR]
+
GILBERT HSIAO [US]
dr. julius | ap closes out 2017 with ULTRAVIOLETT. The exhibition features works by Jeongmoon Choi and Regine Schumann that enable the viewer to perceive interactions between space, object, and color in unfamiliar ways. HITPARADE, an interactive installation by Gilbert Hsiao, expands the experience with the elements of movement and sound. The use of so-called “black light,” whose special qualities are integral to all three artists’ practices, gives rise to an extraordinary, and comprehensively different experience of art.
The gallery’s main rooms are transformed by the interactions between Korean artist Jeongmoon Choi’s constructive sculptural installation and Cologne-based Regine Schumann’s fluorescent acrylic glass objects. While Choi creates a traversable sculpture from optically dense luminous white surfaces of thread, stretched artistically across the space, Schumann’s radiant wall sculptures mix light to create fields of color that stand in precise relation to Choi’s piece. With the addition of ultraviolet light, the artistic space thus created holds a distinctive magic that is both jarring and fascinating.
In the “Kabinett,” the gallery’s smaller space, viewers can also experiment for themselves with optical effects under a black light by choosing arrangements of spinning discs—vinyl records in standard sizes that Brooklyn-based artist Gilbert Hsiao has painted with geometrical shapes. The visual experience is also influenced by the addition of music: in the background, a symphony plays—but stretched to a length of 24 hours, its extreme slow speed turning it strange and alienating.
Together, the situation of heightened perception offered by these works intentionally explodes the traditional boundaries of a gallery exhibition, presenting an attractive contribution to the field of light-based art, and demonstrating its possibilities as an artistic concept.
ULTRAVIOLETT
JEONGMOON CHOI [KR] + REGINE SCHUMANN [DE]
+ in the Kabinett GILBERT HSIAO [US] - HITPARADE
Opening Thursday, November 30, 2017, 7–9 pm
Midissage Saturday, January 20, 2018, 4:30 - 6:30 pm
Exhibition through February 10, 2018
Thursday – Saturday 3–7 pm and by appointment About the artists:
Korean artist Jeongmoon Choi’s [b. 1966, Seoul, Corea] installations challenge our perception and imagination, allowing us to experience time and space in other ways [...]. Stretching threads as if she were making line drawings, Choi undertakes architectural interventions, transforming spaces without altering them in works of great beauty and undeniable conceptual depth. Her installations are not only reflections about our powerlessness in the face of nature phenomena or about our responsibility in modifying the environment—they are also metaphors of our alienating contemporary lifestyle.
The possibility of entering and walking around in Choi’s constructions plays with our perception, as our initial bewilderment is gradually replaced by the discovery of new points of view in a surprising aesthetic experience. While in some pieces the use of ultraviolet light confronts us with an apparent unreality that challenges our mind and our gaze, in others the physical impact of our interaction is recorded as an analogy of how human actions alter the environment.
Whether she draw lines with threads, pencil or other media, Jeongmoon Choi lends new meanings to the line’s expressive possibilities [...].
Nina Zambrano, President of the Board of Directors & General Director of MARCO, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey [MX]
Color, light, material, form, and space—in
Regine
Schumann’s [b.1961 in Goslar, Germany] work, these fundamental
concepts of art find unique and highly compressed expression. Though
influenced by painting, through which medium she developed a deep
understanding of color, Schumann left the constraints of the discipline
behind early on in her career. An engagement with light and color, with the
collective effects of their qualities in relation to each other—both the
harmonies and the contrasts—took her work in new directions. After exploring
of a wide variety of materials, for the past years Schumann has concentrated
on fluorescent acrylic glass. In particular, the unique qualities of this
industrially produced material—in terms of light, color, refraction,
control, retention, filtering, and composition—allow a virtuosic range of
possibilities for the artist to engage with her artistic themes. Her acrylic
glass pieces are extremely precise geometric objects, each of whose specific
inner color-worlds relate in constantly subtly changing ways to the play of
light in the surrounding space, which changes according to season and time
of day. The selective use of black lighting emphasizes these interactions
and significantly enhances the visual experience of the color-spaces created
by the work. Each piece develops a unique, highly aesthetic, yet also
sensually perceptible aura. “I invite the viewer to find himself in the
image, to enter into the colored light,” Schumann explains.
Viewed as a whole, Regine Schumann’s work is an impressive example of the
kind of contemporarily significant minimal-concrete art dr. julius | ap is
proud to present. This work challenges the viewer to explore the essential
relationships of things themselves and the world as it is through close
observation and perception. [...]Regine Schumann’s works have been shown in
renowned galleries, museums, and institutions, as well as in many private
and public collections worldwide.
Matthias Seidel, dr. julius | ap
For more than twenty years,
Gilbert Hsiao
[b. 1956 in Easton, Pennsylvania.US] has explored the mechanics of visual
perception. He works with and also against the physiological mechanism of
sight which we all utilize to perceive the external world. He makes work
that, although physically static, appears to move between different kinds of
space that have duration and, at times, speed. Raw experience takes the
place of narrative, history, and interpretation. His paintings of the past
decade, sometimes in form of shaped wooden panels, are characterized by
their use of intricately overlaid, precise stripes of color. The shapes
create an active, continuously shifting surface, with no traditional sense
of top or bottom, left or right. Recently his investigations have led to
work presented in unconventional lighting situations, like ultraviolet
light, and expanded scale, especially works on walls. The interactive
installation HITPARADE was first displayed at the Contemporary Arts Museum
Houston, Texas [US] and Raygun Projects in Toowoomba, Queensland, Australia.
Hsiao’s exhibition venues include MOMA PS 1 [New York], the Indianapolis Museum
of Art, the Contemporary Art Museum Houston, Mass MOCA [Massachusetts], White
Columns [New York], Minus Space [Brooklyn], Gallerie Nara Roseler [Sao
Paolo], IS Projects [Leiden], Sydney Non Objective [Sydney] and dr. julius |
ap, Berlin.
Matthew Deleget, MINUS SPACE, Brooklyn/NY + Matthias Seidel
dr. julius | ap
contemporary conceptual minimal concrete
dr. julius | ap displays contemporary conceptual minimal
concrete art + architecture.Furthermore non-figurative, non-objective, geometric-constructive, formal-reductive and systematic-structural positions are the basis of the gallery's programme.
Since 2008, the gallery exclusively shows artists working in this sector of international contemporary art.
An additional focus is architecture and architectural photography.
Read more...